2018 Artistas

Luciana Souza

La ganadora del Grammy, Luciana Souza, es una de las cantantes e intérpretes más importantes de Jazz. Nacida en São Paulo, Brasil, a fines de los años sesenta, creció en una familia de innovadores de Bossa Nova: su padre, cantante y compositor, su madre, poeta y letrista. El trabajo de Luciana como intérprete trasciende los límites tradicionales en torno a los estilos musicales, ofreciendo sólidas raíces en el jazz, un linaje sofisticado en la música mundial y un enfoque iluminado de la música nueva.

Como líder, Luciana Souza ha lanzado grabaciones aclamadas desde 2002, incluidos sus seis discos nominados al Grammy, dúos brasileños, Norte y Sur, Duos II, Tide, Duos III y The Book of Chet. Su grabación debut para Universal, The New Bossa Nova, fue producida por su esposo, Larry Klein, y se encontró con la aclamación de la crítica generalizada. Las grabaciones de Luciana también incluyen dos obras basadas en poesía: Los poemas de Elizabeth Bishop y otras canciones, y Neruda.

Hablando en Tongues, una colaboración con Lionel Loueke, Grégoire Maret, Massimo Biolcati y Kendrick Scott, también producida por Larry Klein. La grabación se compone de toda la música original y presenta la configuración musical de Luciana de dos poemas de Leonard Cohen.

La Sra. Souza ha actuado y grabado con grandes artistas como Herbie Hancock (en su álbum ganador del Grammy, River – The Joni Letters), Paul Simon, James Taylor, Bobby McFerrin, Maria Schneider, Danilo Pérez y muchos otros. Su dúo de larga data con el guitarrista brasileño Romero Lubambo le ha valido galardones en todo el mundo, y su discografía completa contiene más de 50 discos como cantante. El canto de Luciana Souza ha sido llamado «trascendental», perfecto «y de» belleza incomparable «. «Entertainment Weekly escribe:» Su voz traza un paisaje de emociones que no conoce fronteras. »

Luciana Souza ha sido una solista destacada en dos importantes obras del compositor Osvaldo Golijov – La Pasion según San Marcos y Oceana. Ha actuado con la Bach Akademie Stuttgart, la Orquesta Sinfónica de Boston y la Filarmónica de Brooklyn. Otras apariciones orquestales incluyen actuaciones con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Atlanta, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles y la Orquesta Americana de Compositores. Su trabajo en la música de cámara incluye una fructífera colaboración con Los Angeles Guitar Quartet y con los compositores Derek Bermel y Patrick Zimmerli.

La Sra. Souza comenzó su carrera discográfica a los tres años con un comercial de radio, y grabó más de 200 jingles y bandas sonoras, convirtiéndose en la primera veterana del estudio a los dieciséis años. Pasó cuatro años en la facultad de Berklee College of Music en Boston, donde recibió una Licenciatura en Composición de Jazz. La Sra. Souza obtuvo una maestría en Estudios de Jazz del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y enseñó durante cuatro años en la Escuela de Música de Manhattan, en la ciudad de Nueva York. De 2005 a 2010, Luciana fue la artista de jazz en residencia con las prestigiosas actuaciones de San Francisco. En 2005 y 2013, Luciana fue galardonada como la Mejor Cantante de Jazz Femenina por la Asociación de Periodistas de Jazz.
La revista Billboard ha dicho de Luciana: «ella continúa su viaje cautivante como una vocalista con un talento único que cruza orgánicamente las fronteras del género. Su música refleja conmovedoramente, lamenta melancólicamente, corteja románticamente, celebra alegremente… «

Omara Portuondo


La Diva del Buena Vista Social Club™ celebra su trayectoria musical y más personal con una gira mundial.

«Con nuestra música, nosotros los cubanos hemos exportado más sueños y placeres que con nuestro tabaco, más dulzura y energía que con todo nuestro azúcar. La música afrocubana es fuego, sabrosura y humo; es almíbar, sandunga y alivio; como un ron sonoro que se bebe por los oídos, que en el trato iguala y junta a las gentes y en los sentidos dinamiza la vida». –Fernando Ortiz

Lloviznaba en la primavera fresca de La Habana, cuando en las primeras semanas del nuevo milenio entré en los Estudios Egrem, un estudio que por sus paredes se han filtrado décadas de magnífica música. Es siempre una alegría escuchar la cálida voz de Omara Portuondo en vivo; y allí estaba ella, cantando su versión de «He Perdido Contigo» una conmovedora canción romántica. Omara estaba grabando un álbum «nocturno, lleno de anhelo y amor perdido», como lo describió su productor Nick Gold.

El disco era su primer álbum en solitario desde el milagroso éxito del Buena Vista Social Club™. Fue a través de ese disco y la película de Wim Wenders que muchos no- cubanos descubrieron a Omara Portuondo. Para Wenders y tantos otros, el punto culminante de la película es su conmovedor dueto del tema «Silencio» junto a Ibrahim Ferrer: «Mi alma muy triste y pesarosa / quiere ocultar su amargo dolor.» A medida que llegan los aplausos, una lágrima surge en los ojos de la intérprete e Ibrahim se saca el pañuelo del bolsillo y suavemente la enjuaga.

Mientras que otras queridas estrellas del fenómeno Buena Vista, como Rubén González e Ibrahim Ferrer, permanecían en su retiro Omara ha estado en activo desde la tierna edad de los quince años. Una cantante legendaria cuya voz refleja una larga y creativa vida llena de pasión y música. Ha estado cantando durante 70 años, y si bien las revoluciones y batallas sacudieron el mundo, ella ha proseguido con una indomable elegancia.

Omara nació en el barrio de Cayo Hueso, en La Habana, barrio conocido por su musicalidad. Su madre Esperanza Peláez provenía de una familia acomodada de ascendencia española que asumió que ella se casaría con un hombre blanco rico con una alta posición social. De hecho, ella se escapó con un jugador de béisbol, alto, guapo y negro llamado Bartolo Portuondo. Durante años no pudieron caminar por la calle en público, pero el matrimonio sobrevivió. Bartolo era amigo del poeta Nicolás Guillén y un gran amante de la música y a falta de un gramófono en casa, la música llegaba a través del canto.

Con quince años la tímida adolescente se sumerge en el exuberante mundo de lentejuelas, siguiendo los pasos del coro al que participaba su hermana Haydée; y se convirtió en una bailarina del cabaret Tropicana. El glamuroso club que aún sigue su actividad en La Habana, una reliquia intacta de los decadentes días pre-revolucionarios. Pero la interpretación era su punto fuerte, y pasaba los fines de semana cantando jazz americano con el pianista ciego Frank Emilio en su banda Loquibambia Swing. Su estilo era una mezcla de sonidos pan-americano y fueron los creadores del llamado “filing” (sentimiento); es entonces cuando empiezan a llamarla «La novia de filin”.

En 1952 participa en el grupo femenino Orquesta Anacaona y junto a su hermana Haydee, se une al cuarteto vocal femenino, Cuarteto D’Aida, liderado por la pianista Aída Diestro. Las cosas comenzaron a moverse realmente rápido para Omara y el grupo firmó con la discográfica RCA Victor, realizando una gira por los Estados Unidos y actuando como corista de algunas de las estrellas más grandes del momento como Benny Moré, Edith Piaf, Bola de Nieve y Nat King Cole en el Tropicana. Era el momento de esplendor y glamour del famoso cabaret.

Como solista Omara estuvo acompañada por algunos de los más grandes innovadores de la música como Arsenio Rodríguez o Isolina Carrillo. Su primer álbum en solitario “Magia Negra” fue editado en 1959 mucho antes del enorme éxito del Buena Vista.

Después de la Revolución de ese mismo año, Omara continua recorriendo los Estados Unidos hasta que debido a la crisis de los misiles, ambos países rompen sus relaciones internacionales. El Cuarteto D’Aida se encontraba en Miami y Omara decide regresar a casa, llenando el vacío dejado por la partida de tantos músicos de Cuba. Su carrera florece, en un primer momento con un reformado Cuarteto D’Aida y luego, a partir de 1967 como artista en solitario. Durante un tiempo, interpreta canciones revolucionarias sobre el Che Guevara y, más tarde sobre Salvador Allende.

En los siguientes años gira por Europa y África con la Orquesta Aragón, donde todavía tienen un gran número de seguidores. «Omara es una leyenda en Cuba, y es seguro decir que no hay nadie de mi edad que no creció bajo su influencia», tal y como afirma el bailarín de origen cubano Carlos Acosta: «de niño la veía todo el tiempo en la televisión, cantando el tipo de canciones que a mis padres les gustaba».

Omara es una artista versátil, pero su especialidad es el bolero romántico, a menudo se ha comparado con los grandes exponentes del jazz melancólico como Billie Holiday o Edith Piaf. Se casó y se divorció y su hijo se convirtió en su manager. “Omara”, una película documental sobre su carrera ganó el premio en Cannes en 1986.

En 1997, cuando uno piensa que podría llegar la hora de jubilarse y reducir el ritmo de trabajo, nace el proyecto Buena Vista Social Club™, alzando su figura por todo el mundo. Ry Cooder le había escuchado a mediados de los años 90, mientras ella grababa en los Estudios Egrem, grabaciones que coinciden las del fallido proyecto Afro-Cuban. Omara estaba a punto de comenzar una gira por Vietnam pero inmediatamente reconoció la importancia de reactivar la música tradicional y se convierte en la única mujer del grupo.

El álbum dio la vuelta al mundo y tan celebrado fue su éxito, que el novelista Salman Rushdie tilda al verano de 1998 como “el verano Buena Vista». El elegante documental de Wim Wenders no hizo más que disparar las ventas del álbum. En él Omara tenía otro magnífico dúo con Company Segundo empapado de nostalgia. Ambos interpretan «Veinte Años», una canción que Omara había aprendido de sus padres y grabado en otras ocasiones.

Su álbum en solitario Buena Vista Social Club™ presents… del año 2000 ganó un Grammy y fue seguido en 2004 por el éxito de “Flor De Amor”, que contó con una canción de resonancia familiar sobre el amor interracial titulada «Tabú». Otras grabaciones y giras le siguieron, como el premiado álbum “Gracias”, que celebra su 60º aniversario, además del disco “Omara & Chucho” junto al estelar pianista Chucho Valdés. Fue la primera mujer cubana en ser nombrada Embajadora Internacional de la Cruz Roja y en los últimos años ha cantado en todas partes desde la Royal Opera House en Londres hasta el Festival Pasión Latina en Hong Kong.

¿Y cuál sería la mejor manera de celebrar sus 70 años dedicados a la música? Pues con una gira mundial muy especial. La gran diva y embajadora artística de su país quiere celebrar con una gran fiesta lo que será un impresionante barrido a toda su carrera. La gira reflejará diferentes aspectos de su larga trayectoria, recordando desde sus años de juventud y su continuo amor por el elegante cabaret, pasando por los días de Buena Vista hasta el presente con diferentes gustos y sabores, de lo que será sin duda una fiesta musical, llena de picante sabrosura.

Como afirma el escritor cubano Iván García «Su voz es todavía exuberante, como lo fue cuando cantaba en el vestidor de la casa de sus padres. En Cuba, hay cosas que faltan. Pero sí tenemos a Omara Portuondo”. Ella aún vive en un apartamento con vistas al emblemático malecón de La Habana; y aunque su dinámica carrera musical se ralentice no es difícil imaginar que siempre se sienta atraída por algunos de sus viejos refugios como el Café Cantante o el Tropicana.

El productor norteamericano Ry Cooder dijo acerca de los músicos de Buena Vista Social Club™, que tenía suerte de «haber capturado el extremo de la cola de un cometa» de una gran cultura musical que estuvo en silencio durante décadas.

Omara Portuondo una diva en el mejor sentido de la palabra. El telón de una de las figuras más importantes de la música popular cubana baja lenta y elegantemente. Mientras continua asombrando medio mundo. Como dice el viejo adagio del mundo espectáculo «Siempre deje con ganas de más.»

Xiomara Fortuna

Xiomara Fortuna es una de las creadoras musicales más trascendentales del Caribe y la más completa y prolífica mujer de la música dominicana. Con cuatro décadas de carrera artística ha tendido su obra por varios continentes. Es pionera de la fusión Afrocaribeña, conocida en su país como La Reina de la Fusión, sus discos son un documento sonoro desde lo afro dominicano a la fusión jazz, reggae, pop, rock contemporáneo, latin, merengue y bachata.

De estampa atemporal, la discografía de Xiomara Fortuna es un patrimonio cultural nacional que representa la memoria musical de la historia contemporánea, constituyéndose en un legado de humanismo y de gran genio. De la loma al llano (1984), Balbuceos (1994), Kumbajei (1999), Tonada para un querer (2004), Paseando (2010), Pa cantarte a ti (2010), Sólo poemas (2014), Rosa y Azul (2018), son sus producciones musicales.

Sus dos discos compilatorios Ella Ta’ í (2002) y La calle será la calle (2009), y un DVD de su concierto Paseando, en el Palacio de Bellas Artes en Santo Domingo; ha compartido tarima con grades artistas del world music y realizado colaboraciones musicales con diferentes artistas como Rita Indiana, Pavel Núñez, El Prodigio, Janio Lora, Vakeró, Sarah Renelik, Diomedes Núñez, entre otros.

Su música está incluida en importantes recopilaciones nacionales e internacionales, como “Latinas: Women of Latin America” y “Movida” de Putumayo Music, “Música Raíz”, Vol.1 de Fundación Cultural Bayahonda, “Canto Paz” del Misterio de la Mujer, “Sí Gagá” junto a Roldán, y “Santo Domingo Respiro del Ritmo” de Stampa Alternativa/ Eretica.

En su trayectoria ha estado al frente de las bandas Kaliumbé y SinHora con las que ha viajado por numerosos países y varios continentes participando en importantes festivales musicales del mundo y en eventos relevantes como la Feria Mundial de Sevilla en España y la toma de posesión de la Presidenta Michel Bachelet en Chile. En su país se ha presentado en las salas de conciertos más importantes, como el Teatro Nacional y el Palacio de Bellas Artes.

Es reconocida internacionalmente por su facultad de crear y fusionar la música, por su hacer con el folclor y su sensibilidad interpretativa. Sus composiciones son viajes en los tiempos, cantares de la memoria, tonadas de mujer, paseos por los ritmos del mundo y poemas de la conciencia y la convivencia. Su voz ha cantado a las luchas de su país, siendo presencia en distintos escenarios en pos de la tolerancia, la educación, el medioambiente y la paz.

Ha sido merecedora de reconocimientos y premios a lo largo de su carrera por la UNESCO, “Medalla Gandhi”, la presidencia de la República Dominicana y el Ministerio de la Mujer, “Medalla al Mérito de las Artes” las alcaldías del Distrito Nacional, Santiago y Montecristi, donde fue declarada Hija Meritoria, Premio Casandra por la Asociacion de Cronistas de Arte de RD, entre otros.

Esta cantautora, autora de letras y música, es única, genio y trayectoria que grabó su primer disco hace 34 años y que al presente cuenta con doce grabaciones de producción independiente con Ile Akwa. Actualmente vive en su país República Dominicana y combina la creación musical con el activismo cultural, medioambiental y de género. Es una artista sin hora, un clásico y una novedad constante, que se erige como la máxima representante de la música alternativa y una de las mujeres esenciales de la música popular dominicana.

Edmar Castaneda

«Nací para tocar el arpa. Es un regalo de Dios y, como todo obsequio de Dios, tiene un propósito. El propósito de mi música es adorarlo y llevar su presencia y amor incondicional a las personas «.
– Edmar Castañeda

Desde que llegó a los Estados Unidos en 1994, el virtuoso del arpa nacido en Colombia, Edmar Castañeda, ha forjado su propio camino distintivo en la música. Trae no solo un instrumento desconocido, sino una voz totalmente original para el jazz, que se ramifica en un mundo de diferentes estilos y géneros. Su amplia carrera ha sido notable por descubrir un papel brillante para el arpa en el jazz, y luego continuar innovando e impulsando la creatividad a partir de una gran cantidad de formidables colaboraciones. Su último CD, Live in Montreal, presenta lo último en una historia cada vez mayor de alianzas emocionantes, un dúo completamente único con la electrizante pianista japonesa Hiromi.

Live in Montreal sigue cuatro aclamados álbumes como líder, así como colaboraciones con músicos como el guitarrista John Scofield, el pianista Gonzalo Rubalcaba, los bajistas Marcus Miller y John Patitucci, el bandolista Hamilton de Holanda, el gran maestro brasileño de pop y jazz Ivan Lins y el mentor de Castañeda , Saxofonista nacido en Cuba, Paquito D’Rivera. También ha compartido escenarios con artistas icónicos como Sting, Ricki Lee Jones, The Yellowjackets y Paco De Lucia. Además de su enfoque innovador de la tradición del jazz, ha escrito obras sinfónicas para la Orquesta Clásica de Espinho y la Orquesta Sinfónica de Jazz de São Paulo, y piezas de cámara para Israel Camerata Jerusalem y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.

Nacido en 1978 en la ciudad de Bogotá, Colombia, Castañeda tomó el arpa cuando era un adolescente para tocar la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el jazz poco después de mudarse a la ciudad de Nueva York para unirse a su padre en 1994 y de inmediato se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin precedente real para el arpa en el mundo del jazz, Castañeda estudió trompeta de día mientras probaba su nuevo conocimiento sobre el arpa en un concierto de restaurante por la noche.

Paquito D’Rivera lo introdujo en la comunidad del jazz, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera lo ha llamado «un talento enorme … [Edmar] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana».

Desde entonces, Castañeda ha tomado a Nueva York y al escenario mundial con la fuerza de su virtuoso comando del arpa, revolucionando la forma en que tanto el público como los críticos consideran un instrumento comúnmente relegado a la «categoría inusual». Ha sido reconocido como un maestro en la realización de bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico y elabora proezas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos más famosos del guitarrista flamenco.

Castañeda hizo su debut como líder en 2007 con Cuartos de Colores, que presenta al arpista en una variedad de escenarios, incluyendo apariciones especiales de D’Rivera y el explosivo percusionista Pedrito Martínez. Siguió con Entre Cuerdas en 2009, una cita de trío con el trombonista Marshall Gilkes y el baterista Dave Silliman que también presentó los giros de Scofield, el vibrafonista Joe Locke, el percusionista Samuel Torres y la cantante colombiana Andrea Tierra.

Double Portion (2012) se dividió en piezas solistas y dúo, con Castañeda conversando musicalmente con Gonzalo Rubalcaba, Hamilton de Holanda y el saxofonista Miguel Zénon. Live at the Jazz Standard (2015) presentó Castañeda’s World Ensemble, uniendo músicos de una variedad de tradiciones globales. La banda estelar trajo a Gilkes, Silliman y Tierra junto al maestro de la armónica suiza Grégroire Maret; el flautista Itai Kriss y el saxofonista Shlomi Cohen (ambos de Israel); El pianista chileno Pablo Vergara; El paisano de Castaneda, el baterista Colombiano Rodrigo Villalon; El jugador turco kanun Tamer Pinarbasi; y el brasileño Sergio Krakowski en pandeiro.

«El colombiano toca el arpa como casi nadie más en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud sinfónica de sonido totalmente única, un rápido disparo de acordes, equilibrio de figuras melódicas y manejo, servido con ritmos eufóricos de América Latina, y la libertad de improvisación de un músico de jazz entrenado … virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo el virtuosismo por sí mismo. «- Frankfurter Allgemeine Zeitung

Sissy Castrogiovanni

“Sissy is the voice and the image of Sicily, her songs are starting a new era for Sicilian popular music. Thanks to her, we can discover a new universe within traditional Sicilian music, extremely rich and powerful melodies and soundscapes, that transport us immediately to this island’s streets and fields full of life and art, something very different, worthy of the utmost attention.”-7 times Grammy Award winning Javier Limon, El Pais (Spain)

Sissy Castrogiovanni mesmerized audience during the release celebration of her latest album, Intra Lu Munnu, at the world renowned venue RegattaBar in Boston.

She toured around Europe and USA, in festivals like Panama Jazz Festival, Jazz en Lima Festival, MIDEM Cannes Music Festival, 4th Annual Middle Eastern Festival, Sounds of Italy Festival, Umbria Jazz, Women Network Festival, etc. Also she performed in such venues as RegattaBar Jazz Club, Berklee Performance Center, Jordan Hall (Boston), Cotton Club (NYC), European Parliament (Brussels) etc.

Powerful and warm voice, Sissy has a unique and soulful sound. Jazz harmonies, Mediterranean and Sicilian roots, African rhythms and a touch of classical music, all combined together to support beautiful original melodies in Sicilian dialect.

Sissy’s stunning energy comes as much from her home as it does her unique spirit. Born in Sicily (Italy) into a musical family, Sissy is firmly planted between the Mediterranean Sea and Volcano Etna in an island with a long history of foreign domination, from the Greeks to the Romans, from the Arabs to the Spanish, from the African to the Normans. The result is a mixed culture where every single domination left something to see, to taste, to hear… And all of this shines trough Sissy’s latest record, Intra Lu Munnu. It means «Inside the World». It’s a collection of 10 original Sissy’s compositions entirely sung in Sicilian dialect, with musicians coming from every part of the world and a special collaboration with the Pletenitsa Balkan Choir.

Sissy’s creativity starts flowing at the age of five. She started early on to delve into a wide variety of musical styles, from jazz to blues, to soul and funk, being at the same time exposed to Sicilian traditional folk music. Grown as a self-taught musician, in 2009 Sissy becomes Berklee College of Music scholarship recipient and she specializes in Jazz Composition and Mediterranean Studies. In 2011 she’s awarded as full scholarship and invited to join the Mediterranean Music Institute (Valencia, Spain). While living in Spain she lines out the first sketches of her compositions.

During her time at Berklee, Sissy had the opportunity to perform with world renowned artists such as jazz drummer Jack DeJohnette – 10 times Grammy Award winning, Bobby McFerrin – producer/composer Patrice Rushen – 7 times Latin Grammy Award winning, Javier Limon.

Berklee Global Jazz Ambassadors

The Berklee Global Jazz Ambassadors are an ensemble band chosen from the most accomplished graduate and undergraduate-level players and composers enrolled in the prestigious Berklee Global Jazz Institute, an honors program at Berklee College of Music in Boston, where gifted musicians go to become student leaders of a world community, with a mission to effect positive social change. The individual musicians performing in the ensemble at the Dominican Republic Jazz Festival will be announced.

Marco Pignataro

Marco Pignataro is a talented saxophonist, composer, educator, and columnist of Jazz originally from Bologna, Italy. He has performed extensively in Europe and America at jazz festivals and international music venues sharing stages with artists such as Eddie Gomez, Joanne Brackeen, Danilo Pérez, George Garzone, John Patitucci, Rufus Reid, Billy Drummond, and Victor Lewis among others.

Marco Pignataro’s latest album “Sofia’s Heart” was produced by jazz legend Eddie Gomez and features Marco’s compositions and arrangements, with Eddie Gomez, Bill Drummond, Matt Marvuglio and Mark Kramer. The acclaimed album “Per Semper” Eddie Gomez Quintet with Marco Pignataro was released by BFM discs in 2012. Marco’s new CD “Almas Antiguas” with Eddie Gómez, Alan Pasqua, Adam Cruz and George Garzone will be released in the summer of 2017.

Until recently, Marco was director of the Department of Music of the Jazz and the Caribbean and the Chair of Jazz Saxophone at the Conservatory of Music of Puerto Rico. During his stay at the Conservatory of Music in Puerto Rico, he developed the jazz saxophone curriculum, founded and directed the CMPR Jazz Faculty Ensemble and co-founded the bachelor’s degree in music in jazz and Caribbean music studios.

Marco Pignataro is the Managing Director of Berklee Global Jazz Institute and serves as Artistic Advisor to the Dominican Republic Jazz Festival and FEDUJAZZ.

Terri Lyne Carrington

GRAMMY® award-winning drummer, composer and bandleader Terri Lyne Carrington was born in 1965 in Medford, Massachusetts. After an extensive touring career of over 20 years with luminaries like Herbie Hancock, Wayne Shorter, Al Jarreau, Stan Getz, David Sane_-_terri_lyne_carrington_photo_by_tracy_love-2born, Joe Sample, Cassandra Wilson, Clark Terry, Dianne Reeves and more, she returned to her hometown where she was appointed professor at her alma mater, Berklee College of Music. Terri Lyne also received an honorary doctorate from Berklee College of Music in 2003.

After studying under full scholarship at Berklee, with the encouragement of her mentor, Jack DeJohnette, Carrington moved to New York in 1983. For 5 years she was a much in-demand musician, working with James Moody, Lester Bowie, Pharoah Sanders, and others. In the late ‘80s she relocated to Los Angeles, where she gained recognition on late night TV as the house drummer for the Arsenio Hall Show, then again in the late ‘90s as the drummer on the Quincy Jones late night TV show, VIBE, hosted by Sinbad.

In 1989, Carrington released a GRAMMY®-nominated debut CD on Verve entitled Real Life Story, which featured Carlos Santana, Grover Washington Jr., Wayne Shorter, Patrice Rushen, Gerald Albright, John Scofield, Greg Osby, and Hiram Bullock. Other solo CDs include 2002’s Jazz is a Spirit, which features Herbie Hancock, Gary Thomas, Wallace Roney, Terence Blanchard, Kevin Eubanks, and Bob Hurst, and 2004’s Structure, a cooperative group which features Adam Rogers, Jimmy Haslip and Greg Osby. Both CDs were released on the Europe-based ACT Music label and enjoyed considerable media attention and critical acclaim in the European and Japanese markets.

Carrington’s production and songwriting collaborations with artists such as Gino Vannelli, Peabo Bryson, Dianne Reeves, Siedah Garrett, Marilyn Scott have produced notable works as well, including her production of the Dianne Reeves GRAMMY®-nominated CD, That Day, as well as Dianne Reeves GRAMMY® Award-winning CD, Beautiful Life, in 2014.

Carrington has performed on many recordings throughout the ‘80s and ‘90s thru today. Notable examples of her work include Herbie Hancock’s GRAMMY® Award-winning CD Gershwin’s World, where she played alongside Joni Mitchell and Stevie Wonder. She has toured in many of Hancock’s musical configurations (from electric to acoustic) and is featured on his Future2Future DVD.

After a hiatus from the U.S. recording scene as a solo recording artist, Carrington returned in 2008 with More To Say… (Real Life Story: NextGen). Joining her was an impressive all-star cast of jazz and contemporary jazz instrumentalists, including George Duke, Everette Harp, Kirk Whalum, Jimmy Haslip, Greg Phillinganes, Gregoire Maret, Christian McBride, Danilo Perez, Patrice Rushen, Robert Irving III (who also serves as co-producer), Chuck Loeb, Dwight Sills, and legendary vocalists Les McCann and Nancy Wilson.

Carrington released The Mosaic Project in 2011, her fifth recording overall and first on Concord Jazz. The critically acclaimed CD, which won a GRAMMY® Award for Best Jazz Vocal Album, gathered a myriad of voices and crystallized them into a multi-faceted whole that far outweighed the sum of its parts. She produced the 14-song set which included some of the most prominent female jazz artists of the last few decades: Esperanza Spalding, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, Sheila E., Nona Hendryx, Cassandra Wilson, Geri Allen and several others. Carrington said the emergence of so many great female jazz instrumentalists over the last couple of decades is what made an album like The Mosaic Project possible.

In 2013, Carrington released Money Jungle: Provocative in Blue, her much anticipated homage to Duke Ellington, Charles Mingus and Max Roach, to coincide with the 50th anniversary of the release of their iconic 1963 Money Jungle album. The recording featured Gerald Clayton and Christian McBride, with guests Clark Terry, Lizz Wright, Herbie Hancock and others. Carrington made history when she became the first woman to win a GRAMMY® Award for Best Jazz Instrumental Album.

 On August 7, 2015, Carrington releases The Mosaic Project: LOVE and SOUL. Like its predecessor, the album presents Carrington leading a rotating cast of superb female instrumentalists and vocalists that includes Oleta Adams, Natalie Cole, Paula Cole, Lalah Hathaway, Chaka Khan, Chanté Moore, Valerie Simpson, Nancy Wilson, Jaguar Wright and Lizz Wright, as well as saxophonist Tia Fuller, trumpeter Ingrid Jensen; bassists Meshell Ndegoecello and Linda Oh; and keyboardists Geri Allen, Patrice Rushen and Rachel Z.

On The Mosaic Project: LOVE and SOUL, Carrington juxtaposes her salute to female artists by paying homage to various male artists who have either influenced her professionally and/or informed her musicality, such as Nick Ashford, George Duke, Duke Ellington, Frank Sinatra, Luther Vandross and Bill Withers. “Whenever I do something that celebrates women, I never want it to feel like it’s something that excludes men,” she explains. “On this record, I consciously wanted to celebrate the various relationships women have with men either through original songs of mine or cover songs by male composers and song writers.” The male presence and perspective on The Mosaic Project: LOVE and SOUL is even more realized by Billy Dee Williams, who contributes insightful spoken-word interludes through the disc.

El Prodigio

Krency García, (El Prodigio), nació el 14 de noviembre de 1976, en Media Gorra de Cabrera, provincia María Trinidad Sánchez. Fue el tercer hijo del acordeonista cabrereño don Luis García y la asistente de enfermera doña Benita Mata.

Desde pequeño, mostró curiosidad por el viejo acordeón de su padre. A los 5 años, empezaron a escucharse las primeras notas musicales, teniendo la oportunidad de presentarse por primera vez en un escenario; fue en el Club las Mercedes, de su pueblo natal, en donde El Prodigio cautivó al pùblico, ese dìa inició la historia de uno de los artistas màs queridos y consagrados de la música típica dominicana.

Al principio a su padre, no le parecía buena idea de que el pequeño “jugara” con su preciado acordeón, pero bastó con escucharlo tocar las melodías de “El Cieguito de Nagua” y Tatico Henríquez, para que le brindará todo su apoyo y conocimiento, hasta convertirlo en un artista original y auténtico.

A la edad de 7 años, se presentó en el importante y popular programa televisivo de Fredy Veras Goico, convirtiéndose en un fenòmeno nacional que apuntaba cada dìa màs alto. A los 10 años, participó en un festival de acordeonistas de la provincia María Trinidad Sánchez, ganando el primer lugar, llamando la atención del profesor Samuel García, quien al ver el talento y la versatilidad del joven, lo bautiza con el nombre artístico de “El Prodigio”.

En abril de 1988, Samuel García se convierte en promotor artístico del joven músico, conformándole su primera agrupación musical; y guiándolo para que pudiera continuar con su educación académica. A los 11 años grabo su primer sencillo: “No te vayas en yola”, autoría de su padre Luis García.

En mayo de 1992, El Prodigio, recibió el primer lugar en un festival de imitación a Tatico Henríquez, leyenda del merengue típico dominicano. La trayectoria de este joven virtuoso no habría sido la misma sin su llegada a Nueva York. Llegó a la Gran Manzana cuando tenía 15 años. Estudió música en la escuela Martin Luther King de esa ciudad, saxofón alto, donde se graduó del bachillerato en 1997.

Estudió canto en la preparatoria pre-universitaria de la escuela Harlem School of The Arts. Entre sus profesores se encontraba Vivian Ara, una destacada profesional colombiana de canto. Realizó estudios de teoría y armonía en Berklee College of Music, online, recibiendo dos certificados de especialidad, de la famosa universidad de Boston.

Pasar por estas escuelas de música, le pusieron en contacto con otras personalidades, convirtiéndolo en un creador único y productivo. “La música es un solo idioma, por eso para mí, el género típico tambièn se estudia y no pierde su esencia con la adicción de otros colores armónicos. La hace màs rica aún”.

Participó en el festival de Artes de Omega Psi Phi Fraternita, Inc. Representando a la ciudad de New York y su escuela de música Martin Luther King Jr., donde obtuvo el primer lugar durante dos años consecutivos, en el renglòn: “Instrumentos Contemporáneos”, uno en Washington, D.C., y el otro en Philadelphia, obteniendo tambièn el segundo año el gran premio sobre todos los renglones del arte “Over All”.

En 1998, viene a Santiago de los Caballeros de la mano de “El Viejo Puro”, famoso tamborero y compositor, juntos forman “El Prodigio y la Mezcla Típica”, separándose pocos meses después. En julio de 1998 continua junto al empresario artístico Aureliano Guzmán y forman la agrupación “El Prodigio y La Banda Típica”, con reconocidos músicos del género.

Las innovaciones de “El Prodigio”, al principio fueron incomprendidas por los más tradicionalistas del género, aunque veneraban la forma en que interpretaba los merengues derechos o tradicionales. Sin embargo para los jóvenes fue una verdadera revolución dentro del género. Entre algunos de sus temas que revolucionaron la música típica están: “Interplanetario”, “Se alocó”, “Ven dame un abrazo”, “Mi país”, “Traicionera”, “Pa´ fuera”, “Se me muere Rebeca”, “La morenita”, “Raquel”, las fusiones con “Jazz ripiao”, como “Periblues”, “Las hojas muertas”, “Mauntain dance”, “Manteca”, “Some day son”, entre otros.

El Prodigio, además de premiado por sus fans que acuden a sus conciertos, y fiestas; artistas de la talla de Juan Luis Guerra, Aventura, Chichì Peralta y el pianista cubado Chucho Valdés, han declarado recientemente que contarán con su acordeón en sus próximos proyectos discográficos. “El Prodigio, es un gran músico y puede suceder algo muy hermoso en nuestra próxima grabación”. Declaro recientemente Juan Luis Guerra.

En el 2012 graba por segunda vez con Juan Luis Guerra en su màs reciente álbum de colección cristiana, “El Quita Pena”.

Ha sido galardonado con 7 premios “Casandra”, ahora llamado “Soberano”, siendo asi el que màs estatuillas tiene desde que se comenzó a premiar el merengue típico, hasta el 2014.

Ha participado y ganado en diversos festivales, asi como tambièn dio apertura a los Juegos Panamericanos, Santo Domingo 2003, ha sido invitado con su banda en varias ocasiones al Dominican Jazz Festival, junto a grandes estrellas del Jazz.

El Prodigio unió su talento a la empresa Alianza Musical, quien maneja la proyección artística de Krency García, “El Prodigio”. Actualmente lanzó su màs reciente disco “El Prodigio Derecho”, un homenaje al merengue tradicional.

Finalizando el 2015 graba un homenaje al Cieguito de Nagua, “Homenaje Al Ciego De Nagua” con gran acogida en los seguidores de este genero. A principio del año 2016 lanza al mercado una propuesta musical innovadora con dos temas nuevos de la cantautora Xiomara Fortuna Veo Veo (De Mi Cabeza A Los Pies) y Vagando en la que comparte la autoría con Juan Robles su road manager un talento compositor que ha escrito muchos de sus éxitos.

Entre los éxitos que se suman a la carrera musical de El prodigio se destaca su tema “Vagando” lanzado a principios de este 2016 que fue seleccionado como el tema oficial de la Serie Del Caribe del mismo año celebrada en Republica Dominicana. Ademas de su presentación en el Radio City Music Hall siendo el primer artista de la música típica en llegar a este.

Las decenas de proyectos que tiene, no son màs que la consolidación de una carrera que con preparación y trabajo ha sido llena de logros y éxitos. No sabemos la fecha exacta de su primer encuentro con el acordeón, pero ese dìa lo decidió todo: su nombre, su suerte y la de un sonido que acompaña los pies y el corazòn de los dominicanos por màs de siglo y medio.

Pavel Núñez

El cantautor dominicano Pavel Elías Núñez Ramírez, mejor conocido como Pavel Núñez, nació un 2 de marzo del 1979 en la ciudad de Santo Domingo. En el año 1995, junto a Homero Guerrero forma el grupo Código Genético, con mucha influencia de la trova cubana, además de elementos anglos como el blues, funk., folk entre otros ritmos que se enlazaban con el caribe. Este híbrido de ritmos marcaron significativamente el estilo musical de Pavel.

En 1996, tras desaparecer Código Genético, Pavel y Homero deciden crear un nuevo proyecto musical bajo el nombre de Los Fulanos, con un toque más original y autóctono. En esta etapa, Pavel se descubre como compositor de diversas canciones que dicho grupo hizo suyas.

En el 1997 el grupo realizó una gira local en diferentes bares del país que terminó a final del año y que motivó a Pavel a prepararse mejor a nivel musical en la ciudad de New York. A su regreso, con nuevos conocimientos adquiridos, forma el grupo El Corredor de la 27, con un toque urbano.

En junio del 2000, Pavel comienza una serie de presentaciones en Casa de Teatro las cuales se regularizaron los sábados, permitiendo que se convirtieran en un punto de referencia entre los asiduos visitantes de la zona colonial. En este mismo año, José Antonio Rodríguez y Víctor Víctor lo invitan a que los acompañe a su recital. Es por esto que es bautizado en el mundo artístico como el “Buen hijo de la zona colonial”.

En el transcurso del año 2001, Pavel fue contratado como artista exclusivo de RCC Records. Ese mismo año comenzó a trabajar con la primera producción musical del joven artista la cual llamó “Paso a Paso”. Sus grandes aspiraciones no lo dejaban descasar, al mismo tiempo que trabajaba en la grabación de su primer disco de larga duración, se presentaba junto a diversos artistas entre los que se destacan Danny Rivera, al cual acompaño en una serie de presentaciones en el país y Nueva York. Este impulso le permitió acompañar en tarima, a principios del año 2002, a Alejandro Filio, Carlos Varela y Fito Paez.

Para la realización de su producción musical, se le unió el talento de Rafa Payan, Guy Frometa, Guarionex Aquino, Pen Biang Sang, Peter Nova, Chichi Peralta, entre otros.De esta forma Pavel continúa posicionado como uno de los más activo solistas jóvenes dominicanos, el cual ha labrado una carrera a pulso que le ha valido el liderazgo que experimenta por más de 16 años de manera sostenida.

Premios y Reconocimientos
En el 2011 Pavel Núñez fue escogido por la Organización de las Naciones Unidas (ONU) “Representante Juvenil de República Dominicana”; en el 2010 fue nominado a los premios Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum de Cantautor; en el 2013 obtuvo el premio Emmy por su espectáculo “Big Gand Núñez”.

Ha sido ganador de múltiples premiso Casandra (Actualmente conocidos como Premios Soberano) en categorías como Revelación del Año, Solista del Año, Concierto del Año y su más reciente reconocimiento Soberano obtenido en la categoría como Mejor Cantante Masculino en la premiación del 2014.

Familia
Pavel Núñez, sobrino del fenecido comunicador Yaquis Núñez del Risco, es hijo de Pedrito Núñez del Risco y Rafaela Ramírez. Tiene dos hijos: Ariel David y Avril Lucía, esta última procreada con su actual pareja Laura Raquel Pichardo.

Para Pavel su familia es una parte muy esencial en su carrera y en cada uno de sus proyectos y lo da a demostrar en algunas canciones que ha dedicado a sus abuelas y a su hijo.

Discografía de Pavel Núñez
Paso a Paso – 2002
De Vuelta a Casa – 2003
El Tiempo del Viento – 2010
ATLANTIS 2012
Big Band Núñez – 2012
Cantor Urbano (Homenaje a Luis “Terror” Dias) – 2013
De Mis Insomnios – 2015

Sandy Gabriel

Sandy Gabriel nació en la ciudad de Nagua y a los nueve años se trasladó a Puerto Plata. Su interés por el instrumento le vino de su padre Sócrates Gabriel, saxofonista y director del “Combo Candela”; popular agrupación dominicana en los años sesenta y setenta.

Sus primeros trabajos musicales los realizó en agrupaciones de jazz en hoteles de la zona turística de Puerto Plata. De esta forma, fue relacionando el estudio del instrumento con el trabajo en directo, creando un lenguaje vinculante entre elementos de jazz y de la música vernácula dominicana como el merengue. Más tarde, empezó a trabajar en los festivales de jazz de Puerto Plata y Heineken. En estos últimos, tuvo la oportunidad de tocar junto a Néstor Torres, Tito Puente, Sérgio Mendes, Spyro Gyra, Paquito de Rivera, Chucho Valdés entre otros.

Ha participado en diversos Festivales Internacionales de jazz , tales como Ramajay Jazz Festival en Trinidad &Tobago, Heinequen Jazz Festival de Puerto Rico, el Jazz Plaza en Cuba, el Bahamas Jazz Festival y el festival de jazz de Montreal.

Es fundador y director del Grupo PP Jazz Ensemble. Ha trabajado en directo y grabaciones con una gran cantidad de artistas como Juan Luis Guerra, Michel Camilo, Emmanuel, Víctor Víctor, Lee Ritenour, Guarionex Aquino, Juan Francisco Ordóñez, Gonzalo Rubalcaba y Chichí Peralta, entre otros.

Recibió el Premio Nacional de Música en jazz del año 2003.

Tutti Druyan

Tutti Druyan comenzó su carrera a la temprana edad de 3. La cantante y actriz comenzó en el doblaje de algunos de los dibujos animados más exitosos en Israel, su tierra natal. Dragon Tales, Rolie Polie Olie, la serie de películas directas de Barbie a DVD, y The Smurfs, que Druyan también dirigió, son solo algunos de los éxitos de Tutti.

A la edad de 10 años, Tutti fue seleccionada para el papel principal en uno de los espectáculos anuales más exitosos de Israel, Festigal, y recorrió estadios por todo el país. A la edad de 12 años, Druyan participó en una obra teatral de uno de los teatros más respetados de la nación, Tzavta, y fue coanfitriona de un programa de televisión de Children’s News. En 2012, Druyan dobló y dirigió la versión en inglés americano de la película Miffy the Movie, que se estrenó en cines de todo el mundo. Durante ese mismo tiempo, cuatro álbumes navideños en los que Tutti cantó siendo una niña fueron certificados como platino.

En 2014, Druyan fue seleccionada junto a un pequeño grupo de músicos para debutar una composición escrita por el legendario compositor irlandés de Riverdance, Bill Whelan. En ese mismo año, Tutti actuó junto a la superestrella española, Alejandro Sanz, en los Latin Grammy Awards. Desde su llegada a los Estados Unidos en 2010, Tutti apareció en varias producciones del compositor Matti Kovler, incluyendo los papeles principales en «Ami and Tami,» «Children’s Songs,» «A Tribute to Israeli Song,» and «The Seekers of Light,”, que se presentaron en lugares de prestigio como el Museo de Bellas Artes y el Fenway Center de Boston. Además, la cantante de 25 años cantó los himnos nacionales israelíes y estadounidenses en diferentes eventos y lugares como la cena anual de los amigos de las FDI en Nueva Inglaterra, el aeropuerto internacional Logan, el centro de tenis Boston Lobsters, la biblioteca y museo presidencial John F. Kennedy, Boston City Hall Plaza y la Casa del Estado de Massachusetts.

En octubre de 2015, Tutti completó una exitosa campaña de Kickstarter para ayudar a recaudar fondos para su debut EP, Possibilities. Un año después, Tutti lanzó Possibilities, que incluye cuatro pistas originales escritas por ella. El single de debut del álbum, Call Me Baby, ha estado sonando en la radio en los Estados Unidos, alcanzando el Topboard Billboard 40.

Grupo Bonyé

Un grupo de amigos, integrados por Félix Báez, Franklyn Soto, Nelson Sánchez, Ernesto Rivas, Michael Suriel, Francisco-Chino-Méndez y Roberto Bobadilla, se juntaban cada domingo en la zona colonial a “descargar energía encima de la música”.

Así nace el Grupo Bonye.

En la actualidad la agrupación estáconformada por 16 integrantes, todos músicos profesionales, entre ellos, los tres vocalistas: Soto, Bobadilla y Sánchez, además de Chino Méndez y Báez en el coro. “Este proyecto le ha dado vida y ha hecho un ritual con los dominicanos y los turistas. Se ha convertido una marca,” asegura Bobadilla. Cada domingo el grupo, que fue declarado por la Sala Capitular de la Alcaldia del Distrito Nacional como “Bien de la Comunidad”, brinda un espectáculo gratuito cargado de ritmos tropicales que pone a mover el esqueleto tanto a dominicanos como a extranjeros.

Edmar Colón

Edmar Colón es un saxofonista, pianista y compositor oriundo de Coamo, Puerto Rico, y actualmente reside en Boston.
Edmar Colón fue galardonado con la prestigiosa Presidential Scholarship, graduándose en el Berklee College of Music con una doble especialización en Interpretación y Composión Clásica. Como parte de sus estudios de pregrado, Edmar fue estudiante en el Berklee Global Jazz Institute dirigido por Danilo Pérez y Marco Pignataro. Luego completó su maestría en Estudios Globales en el Berklee Global Jazz Institute.
Edmar ha realizado giras y se ha presentado en lugares y eventos como el Detroit Jazz Festival, el Puerto Rico Heineken Jazz Festival, el Toronto Jazz Festival, el Panamá Jazz Festival, el Montreal Jazz Festival y el Monterrey Jazz Festival, entre otros. Recientemente tocó en el Kennedy Center for the Arts, el Festival de Jazz Mary Lou Williams, en la gira tributo a Abbey Lincoln con las ganadoras del premio Grammy, Terri Lyne Carrington, Esperanza Spalding, Dianne Reeves y Dee Dee Bridgewater.
Colón ha tocado junto a artistas de la talla de Joe Lovano, John Patitucci, Danilo Pérez, Danny Rivera, Hal Crook, Kenny Werner, Lionel Louke, John Michel Pilc, Patti Austin, Dee Dee Bridgewater, Ledisi, Judith Hill, David Sánchez, Arturo Sandoval, George Garzone, Luis Enrique e Ivan Lins, entre otros artistas notables de diversos géneros musicales. Ha escrito y arreglado música para Terri Lyne Carrington, Esperanza Spalding, Danny Rivera y la Orquesta de la Universidad de Harvard, entre otros.
En 2016, Colón fue galardonado con el Premio Latino 30 Sub 30 New England del periódico El Mundo. También fue galardonado con el primer premio en los Premios Internacionales de Jazz «Keep An Eye», en Amsterdam como parte del Berklee Global Jazz Institute. En 2017, fue honrado en las fiestas patronales anuales de su ciudad natal de Coamo, Puerto Rico.
El saxofonista, pianista y compositor Edmar Noé Colon Gierbolini, es una de las voces brillantes de su generación.